SPECTRE Sortie le 6 novembre 2015 "You've got a secret. Something you can't tell anyone, because you don't trust anyone".
Le premier trailer de Spectre, le 24e James bond de la saga, vient d'être dévoilé… Et on peut dire que c'est le calme avant la tempête ! Pas de scènes d'action, plutôt inhabituel pour les premières images d'un 007. Les studios MGM leur ont préféré une ambiance mystérieuse, avec un espion montrant ses failles, toujours endeuillé par la disparition de sa supérieure. Un courrier énigmatique l'entraîne dans des endroits enneigés et reculés, à la rencontre d'un mystérieux homme, tapi dans l'ombre, interprété par Christoph Waltz. "Welcome James, it's been a long time…". À voir ce que nous réserve la prochaine bande annonce.
Aux côtés de Daniel Craig, on retrouvera Léa Seydoux, Monica Bellucci, ainsi que Ben Wishaw dans le rôle de Q, Ralph Fiennes dans celui de M, sans oublier Andrew Scott, Dave Bautista… et surtout l'indomptable Christoph Waltz, qui ne restera pas longtemps dans le noir…
Avec Eddie Marsan, Joanne Froggatt, Karen Drury, Andrew Buchan…
Sortie le 15 avril 2015
John travaille au service clientèle des pompes funèbres, cherchant les proches de défunts décédés sans famille connue. Son existence consiste à aller dans les appartements des disparus à la recherche d'indices, puis à son bureau remplir des dossiers, et enfin aller aux enterrements de ceux qui n'ont personne. Car il est comme cela John, il s'occupe des morts jusqu'au bout, avec l'empathie que la société leur refuse. C'est en s'occupant de sa dernière affaire avant d'être viré, un inconnu et pourtant voisin, qu'il va prendre conscience de sa propre fin et commencera à s'ouvrir au monde…
Le cinéaste nous offre une belle histoire, originale, pleine de compassion à l'empathie grinçante et parfois drôle, sans tomber dans le portrait larmoyant d'un homme seul, sans autres amis que les morts. Il nous fait vivre la quête d'un homme insolite, solitaire sans en avoir vraiment conscience de l'être car il ne voit pas qu'un autre mode de vie possible. On n'apprend pas grand chose de lui si ce n'est qu'il est consciencieux, ordonné à la limite de la maniaquerie maladive, mais profondément humain, altruiste et dévoué aux autres. Il fait partie de ces gens dont les vies personnelles semblent vides, mais qui trouvent un épanouissement ailleurs que dans leur famille ou amis, par exemple dans leur travail. La vie de John est riche des vies oubliées auxquelles il s'est consacré, dont il met soigneusement les photos dans un album pour en faire sa propre famille par procuration.
À travers lui, Pasolini livre une réflexion émouvante et juste. Il nous rappelle à quel point notre monde actuel peut être cruel et désincarné avec nos semblables. Tout tourne autour de la rentabilité, du profit, de la rapidité à laquelle les choses doivent se faire… Dans le tourbillon de nos vies, il n'y a plus de place pour l'humain et encore moins d'empathie pour autrui. À commencer par ceux qui nous sont soit-disant proches. Nous discutons avec des gens à travers le monde via les nouvelles technologies, mais connaissons-nous nos voisins de palier ? Comment est-il possible que des gens meurent totalement seuls, oubliés, sans compagnie ni amis ? Une belle fin nous rappelle que quoique nos proches aient dit ou fait d'impardonnable ou de contestable, ils restent des êtres humains ayant le droit d'être entourés lors de leur passage dans l'autre monde. Les morts ne sont pas que des corps à laisser pourrir dans une boite au fond d'un trou ! Et John se bat contre des moulins à vent et l'administration sans cœur (parfaitement incarnée par Andrew Buchan (Broadchurch) ici odieux) pour donner un peu de dignité et d'amour à ceux qui n'en ont plus, tel un ange-gardien débordant d'amour.
Ce personnage est d'une intensité rare et superbement joué par Eddie Marsan, dont c'est le premier vrai grand rôle (il était temps après entre autre, Blanche Neige et le chasseur, Le dernier pub avant la fin du monde, Jack le chasseur de géants, Tyrannosaur). L'acteur interprète tout en retenue cet homme à la vie très structurée, qu'il voit bouleversée en apprenant qu'il est licencié comme un malpropre après 22 ans de bons et loyaux services. Et à la mort de son voisin, qu'il traite comme un véritable ami sans l'avoir connu, et même en découvrant qu'il n'était loin d'être un saint. Il perd son refuge et doit se confronter à la "vie réelle", qui pour la première fois l'emmène bien loin de sa vie cadrée, géographiquement et émotionnellement.
John s'exprime en peu de mots, bouge avec rigidité et ne déroge pas à ses habitudes. Et pourtant, il montre ce qu'il pensent par des regards et des gestes qui nous font chavirer le cœur. Grâce à une mise en scène pudique et presque sensuelle (au sens premier du terme), Pasolini suit son personnage avec douceur. On ressent parfaitement ce que John éprouve lorsqu'il entre dans les appartements des défunts : ses regards emplis de compassion sur l'oreiller écrasé ou sur un fauteuil défraîchi, ou lorsqu'il dévisse un pot de crème pour le corps où des traces de doigts subsistent… La beauté des images saute aux yeux, et défilent avec une fluidité et une cohérence irrésistible. Leurs couleurs d'apparence ternes, grisâtres telles les cendres que John dispersent avec amour, illuminent et magnifient le personnage. Elles donnent une lumière poétique et froide, jusqu'à la progressive renaissance de John vers la vie, subtilement amenée avec l'introduction progressive des couleurs. Un véritable écrin pour un bijou, véritable ascenseur émotionnel… dont la (très jolie et inattendue) fin vous fera sans doute sortir le mouchoir.
En résumé : "Une ode à la vie", comme le réalisateur le dit lui-même. Une véritable pépite de subtilité, dans la forme comme dans le fond, avec un acteur désarmant de sincérité.
THE VOICES De Marjane Satrapi Avec Ryan Reynolds, Gemma Arterton, Anna Kendrick, Jacki Weaver… Sortie le 18 mars 2015
Jerry est employé depuis peu dans une PME qui fabrique des baignoires, paumée dans un recoin du Michigan. Dévoué et plutôt apprécié par ses collègues, il s'est intégré malgré son comportement parfois étrange. On lui propose de faire partie de l'organisation d'un pique-nique pour l'entreprise et en profite pour se rapprocher de Fiona, une bimbo britannique du service comptabilité. Tentant quand on vit seul avec son chien et son chat, au premier étage d’un bowling désaffecté. Pour seule activité en rentrant chez lui est d'avoir de longues conversations avec ses animaux. Normal… pour un schizophrène. Après une virée nocturne dramatique, Jerry se débat entre les tentations macabres de son colocataire félin et ses propres désirs de normalité.
Après l'animé Persepolis, le joli Poulet aux prunes et l'affreux Bande de Jotas, la réalisatrice franco-iranienne Marjane Satrapi s'est attaqué à un nouveau genre cinématographique... tout en gardant ce qui fait d'elle une réalisatrice à part. Avec The Voices, elle mélange sa poésie, ses idées farfelues et macabres, ses envies loufoques, pour faire une Hydre cinématographique aux tons et aux registres multiples.
Tantôt gore, comique, dramatique ou potache, ce nouveau long-métrage est un exercice périlleux, que la cinéaste relève avec force et courage... et pas mal d'inventivité ! Mais quitte à partir dans l'incongru et assumer le mélange des genres, "t'aurais pu pousser le bouchon un peu plus loin", Marjane ! Non pas comme dans l'imbuvable Bande de Jotas…Et quitte à travailler sur les méandres de l'âme humaine et un esprit dérangé, la folie qu'elle dépeint semble contenue dans un cadre plutôt consensuel. Résultat : l'ensemble a du mal à trouvé un équilibre.
Chaque rupture de ton est traitée avec la même constance, qui finit par contredire le principe même de cet effet ciné... finalement casse-gueule. Des premières conversations entre Jerry et ses animaux de compagnie (dont la finalité arrive un peu tard), à la comédie musicale finale (sic), en passant par le premier meurtre, tout est finalement balisé et annoncé par le scénario Michael R. Perry qui prépare le terrain pour le spectateur. On retrouve tous les poncifs liés aux films de tueur en série très codés (les femmes écervelées, le monde de travail aseptisé, des travailleurs quasi neurasthéniques...).
Et pourtant, tous ses choix sont revendiqués et assumés, et finissent par nous embarquer. L'humour (plus ou moins singé) est présent pour désamorcer le côté glauque, et carrément violentes de certaines situations. La mise en scène, qui suit le point de vue enfantin et fantasmagorique de Jerry, permet de montrer une réalité subjective bien plus réjouissante quand la folie parle et n'est pas contrainte par des médicaments, que quand elle est vraiment vécue, devenant cruelle, menaçante et malsaine. La réalisatrice nous invite dans la tête de Jerry, et s'attarde sur l'expérience émotionnelle qu'il traverse, lui faisant faire les montagnes russes entre culpabilité et innocence, le Bien et le Mal, la justice et la morale. Après avoir été spectateur de sa vie, Jerry veut en être l'acteur, mais s'y prend évidemment mal, entre empathie et accès de violence. Le tout est appuyé par une direction artistique faisant des merveilles, oscillant entre couleurs flashy et lieux cradingues, sans en faire des caisses. L'artisanal a parfois du bon... même s'il est rose bonbon, comme la tenue de travail de Jerry !
Et ce Jerry est une bonne surprise. Si le casting n'était pas d'une évidence folle, Ryan Reynolds est presque étonnant. Après avoir accumulé des rôles de joli-cœur (La proposition), de beau gosse musclé dans des actionners (Sécurité rapprochée), de voix de film d'animation (Turbo), de bêta dans des comédies faciles, et mêmes un super-héros (Green Lantern) ou anti héros (Deadpool), le Canadien revient avec un film atypique qui met enfin une certain talent (aperçu dans Buried) en valeur. Sa bouille juvénile et son air de gamin paumé et naïf donne à Jerry une étrange sympathie, alors qu'il s'agit d'un meurtrier.Et il faut signaler que l'acteur interprète l'ensemble des voix de la ménagerie et a choisi leurs accents : Bosco le chien s’exprime comme un vieux sage bienveillant du Sud américain, Mr Whiskers le chat roux persifle en écossais et en permanence des insanités. Good choice ! En résumé : sous ses airs de film grandguignolesque et horrifique, The Voices cache une deuxième lecture plus poignante et moins reluisante, faisant le portrait d'un homme qui refuse la réalité telle qu'elle est.
De Shim Sung-bo Avec Kim Yun-seok, Park Yu-chun, Han Ye-ri… Sortie le 1er avril 2015
1998. L'Asie prend de plein fouet la crise économique locale. Les pêcheurs sud-coréens ont du mal à y faire face. Leur bateau, souvent bons pour la casse, sont rachetés par le gouvernement. Mais cette idée n'est pas une option pour le capitaine Kang car ce serait comme "renier sa famille". Et pourtant, il aurait bien besoin de cet argent qui lui fait tant défaut. Il accepte un contrat plutôt risqué pour faire face : transporter sur son bateau des clandestins venus de Chine jusqu'en Corée du Sud. Le voyage ne se passer pas comme prévu…
Le cinéma coréen n'est pas réputé pour faire dans la dentelle. Et Sea Fog ne fait pas exception. Tiré d'une pièce de théâtre éponyme, on pourrait l'imaginer au départ comme une nième film catastrophe de série B, où les méchants font souffrir les innocents alors que les éléments se déchaînent. Mais si le film de Shim Sung-bo reprend les codes du genre cinéma coréen (et son indéfectible pessimisme) où les genres se mêlent, il en fait une œuvre diablement bien mise en scène. Et Bong Joon-ho, réalisateur de The Host, Mother ou encoreLeTransperceneige (ici scénariste et producteur) n'y est pas étranger. Elle se met en place dès les premières minutes avec une sorte de mise à l'eau de son bateau artistique, à bord duquel il instaure une atmosphère et ses personnages, au son d'une musique grandiloquente. On y voit des pêcheurs malmenés par les eaux tumultueuses de l'océan, sur un bateau non épargné par les flots, mais qui trouvent le temps de faire attention aux autres et se sauvent mutuellement la peau, et partagent des moments amicaux autour d'une ampoule allumée (pour se réchauffer). On découvre le monde des marins, comme une famille aimante et soudée par les conditions précaires de leur vie. Et pourant, pendant les deux heures qui suivent, Shim Bung-bo va tout faire pour la mettre à mal, la déchirer. Un ton qu'il avait déjà employé en écrivant Memories of murder (co-écrit avec Bong Joon-ho).
Film de genre populaire, Sea Fog est un huis-clos prenant, entre douceur et fureur. Métaphore géante d'un monde en déliquescence et en mutation, il montre à quel point l'homme, obsédé par l'argent et aux résultats financiers, peut basculer dans l'exploitation de son prochain. Pas de place pour le compromis. Sur ce bateau (quasi) fantôme, tel une relique d'un monde en train de s'effondrer, les hommes d'équipage deviennent des prédateurs, des chasseurs par instinct de survie et des obsédés sexuels comme un retour aux premières heures de la vie sur Terre. La hiérarchie se doit d'être respectée, comme dans la chaîne alimentaire, quitte à virer dans la dictature (normal pour la Corée…) et même le sadisme. Dans le rôle du capitaine tortionnaire, Kim Yoon-seok fait des merveilles. Pur produit du Malin (comme l'aime tant le cinéma coréen), le chef de ce bateau en sursis passe d'un sentiment à l'autre en un clignement de paupière : tantôt furieux, sans peur, impassible, terrifiant… Pas de quoi se faire d'illusions sur la nature humaine !
La noirceur, la folie du désespoir et le chaos absolu, se renforcent alors que le brouillard enveloppe le bateau, tel un linceul pesant et inéluctable. Plus de repères, d'équilibre, ni mental, ni physique. Le film prend une autre densité âpre tout en restant énergique et virtuose. La violence, parfois jusqu'au gore cru, et la déchéance de morale de l'âme humaine se mélangent aux instants de romantisme et aux pincées d'humour… Un méli-mélo de genres qui pourrait laisser plus d'un spectateur sur le radeau de secours. Mais l'ensemble est d'une réalité horrifique terrible, où les circonstances (je ne voudrais pas gâcher le plaisir en vous les révélant…) laissent le spectateur à cran sur son siège. Dommage que le crescendo scénaristique soit un peu perturbé par un humour un peu… ras les vagues.
En résumé : un huis clos intense, terrifiant et saisissant par sa stylistique de l'image et son propos sur l'âme humaine.
MISSION IMPOSSIBLE : ROGUE NATION De Christopher McQuarrie
Avec Tom Cruise, Jeremy Renner, Ving Rhames, Simon Pegg, Alec Baldwin, Rebecca Ferguson...
Sortie prévue le 12 août 2015
Ethan Hunt doit faire face à une organisation secrète, Le Syndicat, qui œuvrerait pour la destruction du monde. Voilà qui change... (soupir)
L'intrépide espion qui sait tout faire et qui n'a peur de rien (et n'ayant jamais mal !) remet le couvert et semble ne pas ménager ses efforts pour maintenir son équipe en vie. Et Severus Rogue n'a rien à voir là-dedans...
Cette première bande annonce laisse à penser qu'il n'y a rien de plus improbable pour Tom Cruise, et qu'il a décidé de repousser ses limites (d'âge ?) pour les cascades et bastons musclées. De l'action, de l'action et encore de l'action... Pourvu qu'il y ait un scénario béton quand même !
De Glenn Ficarra et John Requa
Avec Will Smith Margot Robbie, Adrian Martinez....
Sortie le 25 mars 2015
Le big boss d'un réseau très lucratif de criminels surentraînés va apprendre les ficelles du métier à une jeune (et très sexy) petite voleuse à la semaine. Naturellement née pour être une arnaqueuse professionnelle, elle va faire tourner les têtes, celle de son patron avec ! Un jeu dangereux que de mêler amour et business...
Le tandem Glenn Ficarra et John Requa (I Love You Philipp Morris, Crazy Stupid Love) jouent avec nos nerfs en brouillant les pistes dès le départ. On s'attend à un petit film de pickpockets de grande envergure façon Ocean's Eleven ou Insaisissables, et on passe finalement par la comédie romantique avant de finir sur un pseudo thriller. Une fusion de genre qui a de quoi dérouter ! À ceci près qu'il développe une histoire d'amour compliquée qu'elle en a l'air, avec deux tourtereaux aux émotions électriques, et à la psychologie plus torturée qu'il n'y paraît. De rebondissements et retournements de situation, le duo d'acteurs (charmeur et charmant) séduit, pour nous distraire autant que leur cible. Et les réalisateurs accomplissent un tour de passe-passe cinématographique divertissant à l'aide d'une mise en scène fluide et faisant penser aux comédies des années 50/60, des dialogues bien écrits et modernes (des déclarations d'amour plutôt jolies...) et parfois musclés (les blagues sexistes sur les seins ont toujours la côte...).
La première partie est plutôt convaincante et ludique, avec des scènes de vols à la tire dans la rue ingénieux et bluffants (là, on se dit "va falloir que je me méfie davantage !"). Les personnages de Will Smith et Margot Robbie sont plutôt bien écrits, et leur rapport à l'argent et au luxe intéressant. On pourrait pensé à un duo bling-bling, sans réelle chimie. Il est vrai qu'il est un peu improbable et fait couple de magazine sur papier glacé. En tout cas, ils ont un sex-appeal, et malgré tout, une classe à toute épreuve. L'habituel gouailleur Smith fait place à un rôle tout en retenue, sobre et classieux, ce qui lui va bien (et change un peu... Vieillir lui va bien). Elle, plutôt habituée aux rôles uniques de faire-valoir, semble prendre un peu d'épaisseur... mais pas trop quand même... Sa plastique est largement mise en avant. Dommage que la seconde partie perde son rythme et s'enfonce dans l'idylle langoureuse mâtinée d'un côté semi-policier inutile et un peu brouillon.
En résumé : un film élégant, divertissant, parfois aérien, qui change des gros blockbusters à suite ou préquel... Ce n'est tout de même pas un chef d'œuvre !
De John Madden Avec Judi Dench, Maggie Smith, Bill Nighy, Dev Patel, Celia Imrie, Ronald Pickup, Penelope Wilton, Diana Hardcastle, Richard Gere, David Strathairn et Tamsin Greig, Tena Desae, Lillete Dubey… Sortie le 1 avril 2015
Sonny cherche à agrandir l’hôtel, ce qui l’occupe beaucoup plus que ce qu’il souhaiterait, étant donné qu’il va épouser d’ici peu Sunaina, l’amour de sa vie. Il s’intéresse à une nouvelle propriété, car son premier investissement, la résidence pour retraités Best Exotic Marigold Hotel, n’a plus qu’une seule chambre de libre, ce qui pose problème pour accueillir les nouveaux arrivants, Guy et Lavinia. Evelyn et Douglas travaillent désormais à Jaipur, et ils se demandent où vont les mener leurs rendez-vous réguliers autour des délices de la cuisine indienne. Norman et Carol essaient de maîtriser les méandres d’une relation exclusive, et Madge hésite entre deux prétendants aussi valeureux et riches l’un que l’autre. La seule qui pourrait peut-être avoir des réponses, c’est la nouvelle co-gérante de l’hôtel, Muriel : elle connaît les secrets de tout ce petit monde. Alors que les préparatifs prenants d’un mariage traditionnel indien menacent de déborder tout le monde, une issue inattendue se présente…
Il flotte comme un parfum de voyage paisible… et d'eau de Cologne Mont Saint-Michel. Mais sans la naphtaline ! John Madden (Shakespeare in love) et sa clic de retraités pétillants reprennent du service (à quelques nouvelles têtes près…) après le succès international inattendu d'Indian Palace,lefeel good movie senior (indépendant et britannique de surcroît). On retrouve la joie de vivre communicative des héros rhumatismo-cardio-arthritiques, qui cette fois-ci se répandent un peu moins dans l'introspection de fin de vie que dans le premier opus (même si les réflexions entre vie et mort sont toujours présentes, mais écrites avec beaucoup de légèreté). Nos retraités dynamiques profitent de leurs dernières années sur terre et s'amusent comme s'ils avaient à nouveau 20 ans.
Dès les premières scènes, le ton est donné : les zygomatiques s'agitent. L'humour so british,enlevé par la jovialité permanente de Dev Patel (et de ses mimiques langagières),est la ligne rouge de ce nouveau film bariolé aux saveurs de curry. Et Penelope Wilson et Maggie Smith ne manqueront pas de s'envoyer des piques, technique qu'elles ont perfectionnée dans la série Downton Abbey. Toujours un régal ! Au scénario original, on retrouve Ol Parker, qui livre ici une histoire plutôt classique. Mais peu importe ! Il nous embarque dans une comédie sentimentale, avec un soupçon de thriller, et une grosse dose de philosophie positive. La recherche du bonheur et de l'amour (celui qu'on attend depuis toujours ou qui vient de naître, à celui qu'on a perdu ou qu'on veut garder) est dans toutes les têtes. Et il n'y a pas d'âge pour cela ! L'ensemble est mis en valeur par des des scènes de vie quotidienne immersives, avec une mise en scène élégante, une photographie colorée mais jamais saturée, et le charme fou de ses acteurs… et un final Bolywoodien !
En résumé : Encore une jolie carte postale émotionnelle et visuelle, où l'humour est bien plus marqué que dans le premier opus.
SELMA De Ava Duvernay Avec David Oyelowo, Tom Wilkinson, Oprah Winfrey, Common… Sortie le 11 mars 2015
La fin de la ségrégation (le Civil Rights Act) a été votée en 1964 mais dans de nombreux Etats, les Afro-Américains n'ont toujours pas accès aux urnes. Martin Lutheer king s'attaque à un nouveau combat face à l'administration récalcitrante de Lyndon Johnson : le droit de vote. Dissuasion, intimidations, violences parfois mortelles… La communauté noire de Selma, en Alabama, devient la ville-symbole de la lutte pour le Voting Act. C'est de là que Martin Luther King et son organisation pacifiste organise une dangereuse et terrifiante campagne, qui s’est achevée par une longue marche, depuis la ville de Selma jusqu’à celle de Montgomery, en Alabama, et qui a conduit le président Jonhson à signer la loi sur le droit de vote en 1965.
"Negociate, demonstrate, resist"
Ava Duvernay s'est attaqué à une période sombre des Etats-Unis en parlant d'un personnage emblématique qui n'avait jamais encore eu de film au cinéma. Erreur réparée avec un récit exemplaire, dépeignant un homme de conviction avec dignité et respect.
Ce biopic ne cherche pas à raconter la vie entière du leader pacifiste mais se concentre sur une lutte qui a bouleversé l'Histoire de l'Amérique, et qui continue à faire des émules encore aujourd'hui. Il raconte ce moment sans chercher à en faire des tonnes, et qui se focalise davantage sur l'aventure humaine vécue par chacune des parties impliquées, sans privilégier l'une ou l'autre. Il manque sûrement l'audace d'un réalisateur plus aguerri ou habitué au biopic, car le résultat est très classique, et donne parfois la sensation de n'être qu'un cours d'histoire. Mais à l'instar du Majordome, de Mandela, de La Dame de fer, ou encore Ray, le biopic tombe souvent dans le classicisme que sa forme requiert.
Cette simplicité a l'avantage de mettre en avant des hommes, avec toutes les contradictions, leurs doutes et leur fragilité, comme le Dr King qui, finalement, devient prisonnier de sa mission. Même si le portrait qu'en fait la cinéaste est inévitablement exemplaire, elle n'en oublie ses parts d'ombre (comme son côté volage, qui a failli lui coûté son mariage). Mais point trop n'en faut, il ne faudrait pas égratigner l'image du leader charismatique ! La performance du Britannique David Oyelowe, sobre et toute en finesse, rend au leader du mouvement noir toute son envergure politique et son pouvoir de persuasion.
La forme classique n'empêche pas de rendre ce film profondément humain. Le sens du découpage et de la dramaturgie de la cinéaste rend la lutte collective pour la liberté exaltante et particulièrement poignante. On s'attarde sur quelques personnages secondaires pour personnaliser le combat, et on s'identifie. On prend en empathie ce grand-père de 82 ans, bouleversant face à Martin Luther, mais qui ne cessera de battre le pavé qu'une fois le vote accordé. Les scènes de marche entre les manifestants et les forces de l'ordre sont incroyablement prenantes, où la tension est à son paroxysme. Et on ne peut s'empêcher de faire le lien avec l'actualité et du drame de Ferguson. 50 ans après les faits, la réalisatrice réussit à retranscrire avec précision le climat épouvantable et délétère qui régnait à l'époque, l'injustice et les violences du quotidien, qui ont fini par mener à l'adhésion des blancs à la cause noire.
En résumé : Un film brillant, quoique classique, qui porte une conviction contagieuse.
De Tim Burton
Avec Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Krysten Ritter, Jason Schartzman, Terence Stamp...
Sortie le 18 mars 2015
Big Eyes raconte l'histoire vraie de l'une des plus grandes impostures de l'histoire de l'art. A la fin des années 1950, Margaret Keane quitte précipitamment son mari en emmenant sa fille à San Fransisco. Elle n'a rien pour subsister et cherche du travail. Son domaine : l'art. Mais pas n'importe lequel. Celui qui la fait vibrer et mettre ses émotions sur le chevalet. Son sujet favori : les enfants misérables et tristes, qu'elle peint avec des yeux sur-dimensionnés. Un jour, elle rencontre Walter, un soit-disant peintre du dimanche qui a appris la peinture aux Beaux-Arts, à Paris. Sûr du talent de Margaret, il met en avant les ses tableaux… en se faisant passer pour le peintre. Le succès est fulgurant. Il révolutionne le commerce de l'art, devient riche à millions. Mais à quel prix ! Il laisse sa femme des heures enfermée dans son atelier pour continuer à produire les toiles qu'il est incapable de faire lui-même. Ce mensonge a dupé l'Amérique durant des années avant d'être démasqué...
Si ces 10 dernières années Tim Burton a donné dans le fantastique macabre à gros budget (Frankenweenie, Dark Shadows, Alice au pays des merveilles, Sweeney Todd, Noces Funèbres…), il revient avec Big Eyes vers le film indépendant, plus terre à terre (ce qu'il n'avait plus fait depuis Peewee Big Adventure). Mais son œuvre est toujours basée sur l'histoire de personnages hors norme, et d'une certaine façon, mis au banc de la société à cause de leur art.
Burton, artiste lui-même exposé, comprend ce qu'est l'art marginal, et s'interroge sur les raisons pour lesquelles l'art doit être toujours légitimé par des critiques. Les portraits de Margaret détonnent dans l'expressionnisme abstrait en vogue dans le paysage artistique de l'époque. Ses portraits d'enfants stylisés, figuratifs et romantiques, font tache dans le monde artistique des années 1950-60 que Burton montre comme prétentieux et se prenant au sérieux. Le film pose d'ailleurs la question "qu'est-ce que l'art ?". Il est très subjectif. Qui sommes-nous pour juger de ce qui est un chef d'œuvre ou non ? Un débat que le cinéaste initie dès les premières images du film, en montrant l'impression de centaines de posters de peinture reproduits à la chaîne, comme autant de morceaux sans âme du véritable tableau, dispersé au vent pour de l'argent. Débat qui se joue ici-même puisque je me permets de critiquer une œuvre…
L'histoire de Margaret rejoint celle d'Ed Wood (aussi réalisé par Burton), celui qu'on a surnommé le pire réalisateur de Hollywood. Un personnage dont la plupart des gens se moquait, mais dont la passion démontrait que son art n'était pas une plaisanterie. Le scénario et la caméra se concentrent ensuite sur l'artiste plus que sur son art. Rejetée par les galeries et les critiques, Margaret se cache derrière le bagou de son mari manipulateur, qui révolutionne le monde de l'art en inventant le marketing de masse. Et pour autant, elle incarne les prémices du mouvement féministe. Mère au foyer aux petits soins pour son mari, elle se transforme au fur et à mesure en artiste épanouie, comme ses toiles passant de la noirceur de la mélancolie à la luminosité des couleurs.
Derrière ses premières toiles étranges, on retrouve évidemment l'univers du cinéaste. Et le film prend une dimension d'auto-portrait délicat et mélancolique, le réalisateur des laissés-pour-compte ayant été lui-même rejeté pour son anticonformisme. Mais cette singularité si propre à Tim Burton n'est présente nulle part (ou presque) dans le film. On s'attend à ce que le réalisateur y mette sa patte fantaisiste, son grain de folie et son esthétique unique. Mais à part une tentative (râtée) dans une scène de supermarché (où les clients et caissières ont subitement de gros yeux dans le regard de Margaret), Big Eyes manque de cette étincelle qui nous plaît tant chez l'artiste.
Ses images pimpantes servent à fabriquer un plaidoyer féministe égratignant au passage la misogynie ambiante de l'époque, porté par les prestations inégales d'Amy Adams et de Christoph Waltz. Si la première joue une femme à la fois naïve et déterminée avec retenue et finesse, le second est en roue libre, un poil dans l'excès, interprétant un mari bavard et manipulateur qui nourrit son ego en diminuant les sentiments de son épouse. Le côté démesurément extraverti sert le personnage de Walter (et fait souvent sourire), mais il a tendance à écraser un peu sa partenaire. Résultat, quand on voit Margaret prendre le dessus et répliquer, on prend un plaisir fou à (re)devenir un temps soit peu féministe.
En résumé : Tim Burton brosse le portrait du milieu de l'art sur fond de révolution féministe, avec un classicisme qu'on ne lui avait pas vu depuis très longtemps.
