[Avis] Brooklyn : Entre (eux) deux mon cœur balance (09/03/16)

BROOKLYN

De John Crowley (d'après le roman de Colm Toibin)

Avec Saoirse Ronan, Dohmnall Gleeson, Emory Cohen, Jim Broadbent, Julie Walters

Sortie le 9 mars 2016

Dans les années 1950. Eilis est une jeune femme irlandaise discrète, serviable, aimante et "comme il faut". Elle aime sa famille et son pays mais elle est attirée par une vie plus tumultueuse de l'autre côté de l'Atlantique. Grâce à une connaissance, elle finit par faire ses valises et faire la traversée. À New York, l'attendent travail, logement et... de nouvelles aventures ! Son mal du pays s'envole lorsqu'elle rencontre Tony, une jeune plombier italien qui n'a d'yeux que pour elle. Mais une mauvaise nouvelle vient troubler son bonheur. Ellis est obligée de retourner dans son Irlande natale. Là-bas, elle se retrouve tirailler entre sa nouvelle vie et son passé, écartelée entre deux pays, et deux soupirants.

Il est des films comme Brooklyn qui suspend le temps pour laisser place à une parenthèse amoureuse aux couleurs pastel, où les sentiments résonnent dans une narration douce, sans pour autant tomber dans la bluette sans intérêt. John Crowley (Boy A, Closed Circuit) étonne par son choix. Il signe ici une réalisation au classicisme délicat, très légèrement surannée mais qui ne sent pas la naphtaline. Une histoire d'amour où une femme partagée entre deux hommes et deux pays n'a pas la palme de l'originalité, mais le charme opère malgré tout. 

La mise en scène est sobre et minimaliste ce qui lui évite de tomber dans la facilité du tire-larme, son scénario d'une puissance romanesque évite les gros clichés bien lourdauds, et sa photographie nous embarque dans un univers rétro tout droit sorti des magazines féminins de l'époque.

Quant aux interprètes, ils sont mignons à croquer. Chacun dans leur style. Domhnall Gleeson et Emory Cohen ont tous deux un charme bien à eux et désarmants, transpirant la gentillesse et de sentiments bienveillants pour leur belle. Saoirse Ronan n'a pas volé sa nomination aux Oscars. Son interprétation toute en retenue la rend fragile et attachante sans pour autant la transformer en midinette en détresse des années 1950. Elle dose et dégage ce qu'il faut d'égarement, de confusion et d'impertinence pour faire d'Eilis une héroïne délicate passant de l'enfance à l'âge adulte.

En résumé : un joli film d'amour classique et délicieux, qui fera balancer les cœurs des spectateurs les plus tendres comme celui de son héroïne, sans pour autant tomber dans le sentimentalisme à deux sous.

 

[Avis] The Revenant : Transformation héroïque (24/02/16)

THE REVENANT

De Alejandro G. Inarritu
Avec Leonardo Di Caprio, Tom Hardy (Legend), Domhnall Gleeson (Ex Machina, Il était temps, Brooklyn), Will Poulter (Une famille en herbe), Forrest Goodluck, Paul Anderson (Legend), Kristoffer Joner (Babycall)...

Sortie le 24 février 2016

Inspiré de faits réels...

Hugh Glass est un trappeur au temps où l'Amérique était encore profondément sauvage. Après une féroce attaque d'ours, il a été abandonné par ses équipiers, laissé pour mort. Mais Glass fait partie de ces hommes qui ne s'avouent pas facilement vaincus. Poussé par l'envie farouche de vivre et de se venger, il va parcourir seul plus de 300 km armé de son courage et de son amour pour sa femme disparue et son fils, assassiné sous ses yeux. Sa volonté sans faille va transformer son périple en acte héroïque pour traverser de nombreux obstacles, revenir dans son camp et trouver la paix.

Alejandro G. Inarritu semble se faire un devoir de faire de plus en plus grand et dément sur la planète Hollywood, compilant tout ce qui travaille le cinéma contemporain. Sur le papier, The Revenant avait de quoi faire peur au vu de la tâche à accomplir, ou de quoi frustrer si le résultat n'était pas à la hauteur de la volonté de son réalisateur et des attentes du public. Mais le Mexicain a plus d'un tour dans son sac et offre un film à la fois puissant, sanglant, démesuré, épuisant, beau et poétique. L'immersion dans ces étendues glacées est totale, et si la trame dramatique du survival est simple, les moyens humains et techniques déployés sont de taille XXL. Une course à la performance qui semble n'avoir qu'un but : fabriquer l'écrin parfait pour que sa star principale obtienne sa statuette dorée tant attendue (et méritée !). Et cela marche puisque Inarritu et DiCaprio sont tous deux nommés aux Oscars. 

Cette histoire vraie, déjà portée à l'écran par Richard Sarafian dans Le Convoi sauvage (1971), est basée sur le lâcher prise face à une nature hostile, l'endurance d'un homme ayant tout perdu, et une certaine communion entre l'homme et l'animal qui est en lui. Et animal, Leonardo Di Caprio l'est devenu sans aucun doute. Pendant plus de 2h, il brave la neige, un grizzli, la faim, les Indiens, le tout en grognant, bavant, vociférant telle une bête enragée. Et il va jusqu'au bout de son personnage en mangeant des feuilles, de la moelle à même le squelette, et même du foie de bison pour faire "plus vrai que la réalité". Rien ne lui (nous) est épargné. Impliqué à l'extrême, il dépasse toutes les limites. L'attaque de l'ours donne le vertige. Elle est tellement réaliste qu'elle a valu à ses concepteurs d'images de synthèse une nomination dans la catégorie Meilleurs effets spéciaux. Mais fallait-il en arriver jusque-là pour atteindre le Graal ? 

Tout ce qu'endure Hugh Glass finit par laisser perplexe, et à force d'en faire trop, on finit par décrocher émotionnellement. "Leo" et son personnage se détachent l'un de l'autre, et on ne voit plus que la performance de l'acteur. Ses épreuves finissent par être excessives, et les effets de caméra, très présente, n'arrangent rien. À grand renfort de métaphores surjouées à coup de contre-plongée (souvent sur des arbres), de gros plans en grand angle, de giclées de sang et de boue sur la lentille, on entre dans un symbolisme un peu imposé à coups de massue. Une technique dans l'artificiel à chaque plan (et de rajouter par la même occasion des longueurs) jusqu'à la voix off finale, inutile. Et les métaphores, Inarritu en use et abuse pour surligner un peu plus les difficultés du personnage. Il aime faire croire à la mort de ses personnages principaux (dans Birdman, Riggan Thomson semble se suicider plusieurs fois), mais là, il décide de faire renaître Hugh Glass encore et encore : lorsqu'il revêt une peau d'ours ou sort littéralement d'un cheval qu'il a évidé pour y passer la nuit... Spectacle garanti entre lyrisme et brutalité, mais fatigant à la longue. 

En résumé : Un film intense et éprouvant (physiquement) car il fait appel à tous les sens et toutes les émotions... Dommage que la caméra en fasse parfois trop pour imposer le tour de force du réalisateur et de son acteur, néanmoins impressionnant.

[Bande annonce] Les neuf vies de Mr. Fuzzypants

LES NEUF VIES DE Mr. FUZZYPANTS

De Barry Sonnenfeld
Avec Kevin Spacey, Jennifer Gardner, Malina Weissman, Christopher Walken...

On connaissait Kevin Spacey fantasque dans son rôle d'homme politique véreux prêt à tout dans House of Cards, serial killer dans Seven ou encore un génie du crime dans Usual Suspects. Mais il n'avait jamais franchi la ligne jaune de l'anthropomorphisme animalier. Que s'est-il passé dans la tête du double Oscarisé pour avoir eu envie de participer aux Neuf vie de Mr. Fuzzypants, comédie familiale où il incarne... un chat ? Le marketing l'a bien compris : l'argument "Kevin Spacey comme vous ne l'avez jamais vu" intrigue. 

Le premier teaser vient d'être dévoilé et expose pourquoi Tom, un homme d'affaires à succès (Kevin Spacey), qui consacre sa vie à son travail, se retrouve dans la peau d'un matou. Tellement pris par son job, il en néglige sa famille, sa femme Lara (Jennifer Gardner) et sa fille Rebecca (Malina Weissman). Pour se faire pardonner, il offre à cette dernière un boule de poils lors de son anniversaire, chose qu'il déteste le plus au monde. Mais Tom n'est pas au bout de ses contrariétés ! Suite à un accident, il se retrouve mystérieusement coincé dans la peau du nouveau compagnon poilu de sa fille. Répondant désormais au doux nom de Mr. Fuzzypants, il va tenter de découvrir pourquoi il se retrouve à ronronner et se lécher la fourrure, et va tout faire pour retrouver son apparence normale. Mais il va surtout découvrir sa famille sous un autre angle... à quatre pattes !

Cette comédie signée Barry Sonnenfeld, derrière la saga Men in Black, a comme un petit air familier : celui de Didier, film d'Alain Chabat (1997). On s'attend donc à voir toutes les difficultés que peut rencontrer un chat qui se prend pour un humain, et les ronchonneriez d'un homme devenu un mignon mammifère à 4 pattes, pas vraiment ravi de son sort. 

Le coup de griffe sera donné en août 2016 en France.

[Avis] Second Chance : un Frankenstein super héros (Pilot + Ep.1)

SECOND CHANCE

De Rand Ravich
Avec Robert Kavinsky, Tim DeKay, Dilshad Vadsaria, Adhir Kalyan, Clara Bravo, Vanessa Lengles...

Actuellement sur FOX
Bientôt sur Canal+Séries

Le mythe de Frankenstein a toujours la cote au cinéma, qu'il soit dernièrement en chair (en lambeaux) et en os au côté d'Aaron Eckhart ou Daniel Radcliffe, ou animé dans Hotel Transylvania ou Frankenweenie. La télé s'est récemment emparé de la créature inventée par Mary Shelley dans The Frankenstein Chroniques (actuellement sur Canal+Séries) sous forme d'enquête policière au long cours menée par l'inspecteur John Marlott (Sean Bean) dans un Londres poisseux du XIXe siècle. 

Dans Second Chance, la filiation avec Frankenstein est très éloignée de l'histoire originale, mais à première vue, paraît la plus intéressante. Et pourtant, la série a eu du mal à voir le jour. Créé par le très inégal Rand Ravich (Crisis, Life), la série s'est d'abord appelée The Frankenstein Code, puis LookingGlass. Prévue pour être tournée sur 13 épisodes, elle n'en aura finalement que 11 (pour une histoire de planning, apparemment). Voilà qui ne sent pas très bon pour un départ. Mais c'était sans compter sur la présence de Rob Kazinsky (Pacific Rim), incarnant le shérif Jimmy Pritchard, avec sa nonchalance et son joli minois légèrement patibulaire en super héros malgré-lui.

L'histoire ? Jimmy Pritchard est un vieil homme de 75 ans dont la vie a basculé le jour où il a été forcé de démissionner des forces de police pour corruption. Alcoolique, bougon, père absent, il n'est plus que l'ombre de lui-même. Un soir, il surprend des cambrioleurs dans la maison de l'un de ses enfants, Duval Pritchard, agent du FBI. Jimmy est tué mais sa mort est de bien courte durée. Son corps est kidnappé par des jumeaux, Mary et Otto Goodwin, scientifiques milliardaires, qui le ramènent à la vie par un procédé unique et précurseur. Ramené à la vie, l'ancien flic se voit offrir la chance de se rattraper. Mais va-t-il en profiter pour se rapprocher de sa famille et passer du temps avec elle, ou va-t-il chercher à se venger de ce qui sont responsable de sa mort ? Va t-il surtout résister ou succomber à ses tentation sud passé ?

Le scénariste de 24h chrono et le créateur ne nous font pas voyager dans le temps pour suivre les aventures de ce Frankenstein moderne. Le twist lancé dès le pilote fait l'intérêt de la série et, même si elle est classique, l'envie de vengeance est assez intrigante pour avoir envie de connaître la suite. Mais ce ressort ne pourra pas durer éternellement. Reste que dans le 2e épisode, on retrouve le duo classique avec un agent du FBI intègre (Tim DeKay, déjà au Bureau dans FBI : Duo très spécial) versus le rebelle et opiniâtre au grand cœur, qui donne un coup de main pour élucider une enquête. Le tout dans une ambiance geek avec une technologie ultra avancée, de l'humour léger, de l'action et des "mystères" à éclaircir. Le personnage de l'ancien shérif est borderline, tantôt super héros avec une force incroyable, tantôt cet homme pourri rattrapé par ses mauvaises habitudes. Reste à savoir jusqu'où la personnalité du personnage principal peut être développée. Petit point noir : tout semble trop facile tout le temps, les nouvelles technologies venant au secours du héros de façon un peu trop facile (tel Jarvis dans Iron Man). Comme si le scénariste s'en servait pour se sortir lui-même du pétrin. Je ne veux pas jouer les Cartésiennes bornées mais parfois, c'est vraiment gros !

En résumé : Second Chance mérité qu'on lui donne un peu de crédit avant de la zapper. 

[Bande annonce] Le Fantôme de Canterville

LE FANTÔME DE CANTERVILLE

De Yann Samuell

Avec Audrey Fleurot, Michaël Youn, Michèle Laroque et Lionnel Astier

Maintes fois adapté au théâtre, pour la télé, au cinéma et même en opéra et en dessin animé, Le Fantôme de Canterville revient hanter les salles obscures. Nouvelle de l'écrivain Oscar Wilde, elle a été publiée dans The Court and Society Review, en 1887. Cette fantaisie pleine d'humour met en scène une famille américaine embêtée par un fantôme qui n'a rien d'effrayant, malgré tout le mal qu'il se donne pour leur faire peur. Le pauvre bougre est même la tête de turc de deux collégiens qui ne lui épargnent aucun tour. Résultat : il a bien du mal à trouver le repos éternel qu'il mérite. 

C'est dans cette comédie déjantée et ultra colorée que l'on retrouve l'ex-trublion du PAF, Michael Youn dans le rôle du spectre facétieux. Une comédie familiale, librement inspirée, qui se déroule au fin fond d'une Bretagne de légende. Le fantôme d'Aliénor de Canterville est condamné à hanter le château de sa famille et à en faire fuir tout nouvel habitant. Elle remplit cette mission à merveille, aidée de Gwilherm, son fidèle serviteur. Mais lorsque les Otis, une famille fuyant la vie parisienne, achètent le château, Aliénor se désole car elle n'arrive pas à effrayer cette tribu du XXIe siècle... Pire : les enfants la ridiculisent et les parents l'ignorent ! Seule Virginia Otis, âgée de quinze ans, émue par le sort du fantôme de Canterville, cherchera à la délivrer de la malédiction qui pèse sur elle…
Pas de jugement hâtif avant d'avoir vu au moins la bande-annonce... Mais au vu de la catch-phrase sur l'affiche, il va y avoir un lâcher de jeux de mots et autres farces potaches qui feront rire (au moins) les bambins !

Sortie des revenants prévue le 6 avril 2016

Si vous voulez lire la nouvelle, c'est ici : http://beq.ebooksgratuits.com/vents/Wilde-contes.pdf

[Featurette] Les premières images de Wonder Woman en action

Lâché d'images des futures adaptation DC Comics ! Après le second trailer du très attendu Suicide Squad, c'est au tour de Wonder Woman de faire son apparition dans une featurette retraçant les origines de la princesse des Amazones, incarnée par l'actrice israélienne Gal Gadot. Dans cette vidéo d'environ 1 minute, on voit la super héroïne créée en 1941 par Moulton Marston enfin en action.

Comme nous avions eu les origines de Superman et de Batman, les premières images (signées Patty Jenkins, réalisatrice du film Monster) remontent l'histoire de la jeune femme au costume de cuir (ggrr), ses racines dans la mythologie grecque, son parcours, sa mission : celle de protéger les hommes. On découvre aussi un peu plus l'univers, les décors et les costumes, et la nature guerrière et combattive de la jeune héroïne. On aperçoit aussi Chris Pine, en major Steve Trevor. Il mentionne notamment la puissance de ce personnage féminin emblématique avant qu'elle ne rencontre le Chevalier noir, alias Batman, et l'Homme d'acier, alias Superman (dans Batman vs Superman : l'Aube de la justice - sortie prévue le 23 mars 2016).

Au côté de la guerrière, on retrouvera Robin Wright, Danny Huston, David Thewlis, Ewen Bremner et Connie Nielsen. Le tournage se déroule actuellement au Royaume-Uni et en Italie. Le film, qui marquera la première apparition de Super Woman au cinéma, est attendu dans les salles en juin 2017 aux Etats-Unis.

[News] Michael Keaton décoré en France

L'acteur américain Michael Keaton a été décoré le 18 janvier, à Paris. Il a reçu les insignes d’Officier de l’ordre des Arts et des Lettres des mains de la Ministre de la Culture et de la Communication, Fleur Pellerin.

Cette distinction récompense l’un des acteurs les plus talentueux du cinéma américain qui a marqué le cœur du public français et international à travers des rôles inoubliables et singuliers. Malgré un passage à vide et des critiques parfois acerbes, celui qu'on a considéré comme "fini" s’est illustré dans des succès populaires avec de grands réalisateurs tels que Tim Burton, Quentin Tarantino ou Ron Howard. Et il a redoré ses plumes de phénix récemment avec Alejandro Gonzalès Inarritu dans l'excellent Birdman et Tom McCarthy dans le non moins remarquable Spotlight.

[Avis] No Land's Song : quand la voix d'une femme fait peur (16/03/16)

NO LAND'S SONG 

Documentaire de Ayat NAJAFI

Avec Sara NAJAFI, Parvin NAMAZI, Sayeh SODEYFI, Elise CARON, Jeanne CHERHAL, Emel MATHLOUTHI et Imed ALIBI, Chakad FESHARAKI, Sébastien HOOG, Ali KAZEMIAN, Edward PERRAUD, Ali RAHIMI, Maryam TAJHDEH

Sortie le 16 mars 2016

En Iran, depuis la révolution de 1979, les chanteuses ne sont plus autorisées à se produire en solo, tout au moins devant des hommes... Voulant rendre hommage aux grandes artistes des années 1920, Sara Najafi est déterminée à faire revivre la voix des femmes. Défiant la censure, elle veut organiser un concert pour des chanteuses solistes et rouvrir un pont culturel entre Paris et Téhéran. Elle invite Élise Caron, Jeanne Cherhal et Emel Mathouthi à venir rejoindre Parvin Namazi et Sayeh Sodeyfi dans leur combat. Durant deux ans et demi, Sara se voit opposer des refus, ses réunions régulières au ministère de la Culture mettant en lumière la logique et l'arbitraire du système. Mais jusqu’où aller trop loin ? La solidarité interculturelle et le pouvoir révolutionnaire de la musique triompheront-ils ? Thriller politique et voyage musical, No Land’s Song ne perd jamais de vue son véritable centre - la voix des femmes.

Les femmes n’ont pas le droit de chanter en public, du moins en soliste et devant un public composé essentiellement d’hommes. Un interdit tellement ridicule et surtout humiliant pour les femmes que Sara Najafi, une compositrice de Téhéran, a décidé d’en prendre le contre-pied. Déterminée depuis la révolution de 2009, elle met corps et âme dans son projet. Mais elle affronte de nombreux obstacles, et non des moindres avant d'y arriver.

La première mission de Sara est de convaincre. Les chanteuses qui vont l'accompagner d'abord, et surtout le père de l'une d'entre elles, les Françaises de poser leur voix sur le répertoire perse d'avant la révolution islamique. Mais aussi la jeune Tunisienne rebelle qui s'est fait connaître lors de la révolution anti Ben Ali en 2011 du caractère subversif du projet, et quelques musiciens de Paris et Téhéran pour les accompagner. Mais ça, c'est finalement la partie la plus facile. 

Les difficultés commencent surtout quand Sara se met à défier le pouvoir de la censure. Elle se rend en caméra cachée sous son habit long et noir la recouvrant de la tête au pied au Ministère de la culture et de la guidance islamique. Elle y retournera au moins 5 fois pour essayer de décrocher une autorisation pour son concert pour femmes. Des religieux expriment leurs doutes et quasi mépris car "les femmes quand elles chantent, séduisent les hommes et aucun homme digne de se nom ne peut se laisser pervertir". Un jeu d'hypocrisie morale total mais révélateur des absurdités du régime.

La réalisatrice ne fait pas que dénoncer, elle rend aussi hommage aux chanteuses des cabarets qui animaient les soirées des années d'avant la révolution islamique. On découvre alors des images de celle qui dans les années 1960 osait chanter dans une robe près du corps, un petit verre d'alcool à la main. Ou encore celle surnommée "la reine de la musique persane" qui chantait sans voile au Grand Hôtel de Téhéran dans les années 1920.

Ayat Najafi balade sa caméra avec beaucoup de pudeur mais fait vivre au plus près toutes les émotions des actrices, de l'espoir aux déceptions, au bonheur infini du concert final, envoûtant.

En résumé : No land's Song déroute, émeut, et nous rappelle à quel point ce qui paraît si évident pour les uns est un réel combat pour les autres.

[Avis] Angel from Hell : une intervention divine un peu terne (Pilot +ep.1)

ANGEL FROM HELL 

De Tad Quill 
Avec Jane Lynch, Maggie Lawson, Kevin Pollack (Mom), David Denman, Kyle Bornheimer...
Actuellement sur CBS

Allison est une dermato aux affaires florissantes, mais dont la vie privée est un peu chamboulée depuis la mort de sa mère. Un jour, elle se fait bousculer par Amy, une grande gueule avec un problème de boisson, qui prétend être son ange-gardien. Son existence va prendre une nouvelle tournure. Cette femme est-elle vraiment ce qu'elle affirme être ou est-ce seulement une "harceleuse" dérangée ?

Le concept d'Angel from Hell n'est pas révolutionnaire, et les arcs de narration, un poncif. Les oisillons en détresse ont toujours besoin d'une amie/confidente pour retrouver un sens à leur vie. Côté ange-gardien, nous avions déjà notre lot avec Drop Dead Diva, ou notre Joséphine nationale (sic). Ici, le showrunner utilise l'inévitable jeu de l'opposition de caractère des personnages pour justifier l'aspect comique. Pas sûr que j'aurais jeter un œil à cette série si Jane Lynch, l'inénarrable Sue Sylvester proviseur sarcastique, aux répliques acerbes et drôles de Glee, n'était pas au casting. 

Il était temps que cette grande comédienne (au sens propre comme au figuré), connue pour sa spontanéité et sa répartie, ait sa propre série (en plus d'une émission télé). Angel from Hell laisse à l'actrice une place de choix, avec des répliques taillées sur mesure, débitées avec le ton "lynchien" inimitable. Mais pas sûre que cela suffise sur le long terme. Le terrain de jeu que lui offre CBS n'est pas aussi flamboyant lorsqu'on regarde le reste. La jolie Maggie Lawson, malgré un potentiel évident, a du mal à exister face à sa partenaire excentrique et lumineuse, et fait de son mieux pour être la fille attachante, contrepoint de l'extravertie Amy. Allison, son personnage, est une fille banale et loin d'être captivante. Les seconds rôles ? Entre jeu guindé et personnages clichés, ils ne relèvent pas le niveau. Kevin Pollack, pourtant habitué à surfer sur le tragi-comique, est ici sous-exploité. La faute aux scénaristes ? Assurément. Car l'humour, terne, tombe souvent à plat, excepté lorsqu'il sort de la bouche de Jane Lynch.

Le problème majeur d'Angel From Hell vient de sa construction, ou plutôt de sa non-construction. Amy aura beau être l'amie toquée qu'on tolère avec ses réparties hilarantes, une question se pose dès le départ : y a-t-il une véritable raison à sa présence auprès de l'héroïne ? La série tâtonne lorsque Amy tente de donner des leçons de vie à Allison. La demoiselle en question est jolie, intelligente, a du succès (même si elle n'a pas choisi le bon petit ami) et se fâche avec ses amis de temps à autre (situations résolues en quelques tours de passe-passe). Elle n'apparaît pas comme étant désespérée au point d'avoir besoin d'un ange-gardien. Au bout de 2 épisodes, on ne nous révèle rien à ce sujet... Comme beaucoup de séries, il faudra sûrement plusieurs épisodes pour trouver son rythme de croisière et un équilibre dans sa forme. Mais il va en falloir de l'imagination aux scénaristes pour garder l'omniscience du personnage d'Amy tout en respectant les raisons de ses interventions intempestives auprès d'Allison, et la possibilité d'en apprendre plus sur sa protégée (dont elle sait déjà normalement tout...). Un vrai casse-tête qui risque de finir par tourner en rond ! À moins d'une intervention divine...

Qu'y aura t-il sur nos petits écrans en 2016 ?

Une avalanche de bandes-annonces prometteuses seront dévoilées au Showeb Séries le 12 janvier, au Forum des Images. Cet événement a pour ambition de faire découvrir aux différents acteurs du web, les fictions à venir de plusieurs diffuseurs télé ou digitaux comme les groupes Canal+, TF1, OCS, Arte mais aussi Syfy et 13e rue (propriétés de NBC Universal). Des trailers de tous types de fictions, étrangères ou françaises, mais aussi des pilotes inédits en France seront également projetés. Patience, je vous en dirai plus très bientôt.

[Avis] The Danish Girl : une histoire d'amour inconditionnel (20/01/16)

THE DANISH GIRL

De Tom Hooper
Avec Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Amber Heard, Ben Wishaw, Matthias Schoenaerts... 
Sortie : 20 janvier 2016

Copenhague, dans les années 1920. Einar Wegener est un artiste peintre paysagiste  danois renommé, vivant avec sa femme Gerda, elle-même portraitiste mondaine, mais boudée par les galeristes. Peu importe. Ils s'aiment d'amour véritable, voire fusionnel,  faisant de leur union une symbiose professionnelle et personnelle totale. Jusqu'au jour où, Gerda, pressée de finir un tableau demande à Einar de remplacer son modèle : une ballerine. L'expérience s'avère des plus troublantes pour le jeune homme, qui prend peu à peu conscience qu'il se sent plus femme qu'homme. Il se travestit et devient alors Lili. Tandis qu'il s'approprie son identité petit à petit, Gerda l'accepte tel qu'il/elle est et en fait sa muse. Elle devient la nouvelle artiste à succès. Mais c'est sans compter la désapprobation de la société danoise. Ils partent vivre à Paris où le couple évolue, se transforme, et va partager l'une des épreuves les plus difficiles : l'opération chirurgicale de réattribution sexuelle, pour que Lili soit elle-même, corps et esprit.

Il serait bien maladroit de résumer The Danish Girl simplement par l'exploit médical pionnier  par lequel Lili est "devenue pleinement femme". Il parle d'un sujet rarement traité au cinéma mais avec des thèmes universels : les revers de la vie et la possibilité de les surpasser à deux, mais aussi des blocages qui nous empêchent d'être le meilleur de nous-mêmes et la façon qu'on a de les faire voler en éclat. Le scénario de Lucinda Coxon est empli de bonté, d'espoir, de sensibilité et aussi de dureté dans ce combat sans tomber dans le larmoiement.

Le film s'attarde davantage sur les atermoiements et les réminiscences d'un homme qui finalement n'a jamais été bien dans son corps. Mais il fait surtout la part belle au dévouement et à l'abnégation de sa femme qui accepte tout par amour et accompagne son mari/âme sœur dans toutes ses épreuves. Car s'il est bien un personnage fort et bouleversant, c'est celui de Gerda. Alicia Vikander (Ex Machina, Royal Affair...), femme-enfant, mutine et fatale à la fois, incarne l'artiste avec une sobriété attachante. Tour à tour déboussolée et solide comme un roc, elle n'a d'yeux pour celui dont elle doit faire le deuil. Sa vie bascule, et pourtant, elle fait tout pour sauver la vie de celui qui est plus qu'un partenaire de vie. Son duo avec Eddie Reydmane paraît être une évidence.  L'alchimie fonctionne à merveille. Le reste du casting n'en démérite pas moins : Matthias Schoenaerts, Ben Wishaw et Amber Heard apparaissent peu longtemps à l'écran mais dévoilent des personnages à la fois majestueux et à fleur de peau.

C'est avec une mise en scène classique, voire académique, que Tom Hooper (Les Misérables) adaptée roman de David Elbershoff, traduit en 20 langues. Avec un tel sujet, le réalisateur n'a pas pris le risque de choquer la société bien-pensante avec une forme criarde et impertinente. Les décors, intérieurs comme extérieurs, sont traités comme des tableaux, tels les paysages évanescents. Mais si les décors chics et les costumes d'époque ne froisseront aucun œil, l'interprétation d'Eddie Redmayne, bouleversant au début de sa transformation, risque d'en agacer plus d'un au bout d'une heure (si ce n'est avant...). L'acteur, oscarisé pour son rôle de Stephen Hopkins dans Une merveilleuse histoire du temps l'année dernière, est pétri de mimiques sur-jouées et minaude à tout bout de champ. Pourtant, il nous surprend dès le début par sa délicatesse, sa gestuelle féminine quasi naturelle et sa beauté androgyne parfaite pour ce rôle. Mais trop, c'est trop ! Il tombe dans une mièvrerie ennuyeuse et pleurnicharde. Mal dirigé ? Trop personnellement bousculé par ce trouble identitaire ? Si je ne l'appréciais pas autant, je dirais que c'est du gâchis...

En résumé : une histoire d'amour unique et extra-ordinaire, dans laquelle on s'attache à tous les personnages. Une mention spéciale à Alicia Vikander qui, assurément, devient une actrice incontournable. Et bientôt Oscarisée ? On lui souhaite.

[Avis] Legend ou la femme fait la ruine de l'homme (20/01/16)

LEGEND

De Brian Helgeland

Avec Tom Hardy, Emily Browning, Paul Anderson, Christopher Eccleston, Taron Egerton...
Sortie : 20 janvier 2016

Les jumeaux Reggie et Ronnie Kray, célèbres gangsters du Royaume-Uni dans les années 1960, règnent en maîtres sur la capitale anglaise. À la tête d’une mafia impitoyable, leur influence paraît sans limites. Pourtant, lorsque la femme de Reggie incite son mari à s’éloigner du business, la chute des frères Kray semble inévitable…

Les jumeaux Kray font encore aujourd'hui l'objet d'histoires les plus invraisemblables, et leur réputation continue de grandir. Reggie, flegmatique et séduisant, Ron violent et totalement instable (diagnostiqué schizophrène paranoïaque, tout de même...) étaient les boss de la Firme, face noire cachée d'un ville qui explosait culturellement. Un matériau de choix pour Brian Helgeland, qui depuis Payback a du mal à faire sa place à Hollywood en tant que réalisateur. Et qui de mieux que Tom Hardy pour les incarner ! On lui connaissait un côté animal et bourru (Warrior, Des Hommes sans loi, Mad Max : Fury Road, The Dark Knight Rises, The Revenant (critique à venir)...), mais sa performance dans Legend relève de plus de subtilité. Dans ce rôle double, l'acteur parvient à faire exister pleinement les deux frères sans jamais être redondant, ni s'engouffrer dans l'excès. Il incarne ses propres facettes publiques : celle star/belle gueule sur papier glacé, charmeur magnétique et charismatique tel un acteur à l'ancienne, et celle d'un bad boy excentrique drôle, préférant le rentre-dedans frontal au politiquement correct. Ainsi, il oscille entre comédie et tragédie (secondé par des acteurs excellents), faisant des jumeaux Kray des êtres humains finalement comme les autres. Car c'est d'abord à la dimension humaine qu'Helgeland s'attache.

Legend n'est pas un film de gangster à proprement parler : les activités criminelles des frères sont le plus souvent placées en hors-champ. Avec une mise en scène plutôt classique passant du large à l'intimiste, Helgeland décortique les relations psychologiques et physiques entretenues par les personnages. Tous gravitent entre le Londres des faubourgs populaires de l'East End et les clubs clinquants où se mêlent vedettes et voyous. La brutalité est présente et frontale, mais elle est filmée de façon bizarrement presque clownesque. Comme pour laisser plus de profondeur au drame familial qui se joue en parallèle : la rivalité des frères partagés entre leur amour familial fusionnel et leur façon opposée de diriger leurs affaires, et les amours contrariées entre Reggie et Frances (fabuleuse Emily Browning), cette dernière voulant une vie simple sans criminalité, chose impossible à abandonner pour Reggie.

En résumé : Plongée instantanée et passionnante dans l'univers des Swinging Sixties (vous reconnaîtrez la chanteuse Duffy au micro) avec un thriller criminel captivant et des interprétations impeccables. 

[Avis] Spotlight : profession de foi faite au journalisme (27/01/16)

SPOTLIGHT

De Thomas McCarthy
Avec Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci...
Sortie le 27 Janvier 2016

Adapté de faits réels...

Spotlight est le nom d'une bande de journalistes d'investigation du journal Boston Globe. Au sein de cette rédaction, 4 journalistes entêtés cherchant la vérité quoiqu'il en coûte. À force de travail de persuasion et de persévérance, ils ont mis à jour un scandale sans précédent au sein de l’Eglise Catholique. Ils ont enquêté pendant 12 mois sur des suspicions d’abus sexuels au sein d’une des institutions les plus anciennes et les plus respectées au monde. L’enquête, couronnée par le prestigieux prix Pulitzer, révèlera que L’Eglise Catholique a protégé pendant des décennies les personnalités religieuses, juridiques et politiques les plus en vue de Boston, et déclenchera par la suite une vague de révélations dans le monde entier.

Le journalisme au cinéma bien mis en scène est un peu le mouton à 5 pattes : matière ardue difficile à adapter sans tomber dans l'excès du sensationnalisme, du jargon professionnel incompréhensible ou du prétexte scénaristique (Paper Boy, Bel Ami). A de rares exceptions près comme les excellents Les Hommes du président ou Diversions. Mais Thomas McCarthy ne tombent pas dans le panneau. Il n'a pas besoin d'en faire des caisses pour sonner juste. Tous les ingrédients sont là : des journalistes qui bossent sans regarder leur montre, mangent des restes de pizza entre des coups de téléphone incessants, et dont la vie privée part en sucette. Des bruits de tapotements de clavier ininterrompus, des moments d'intimidation par un corrompu, une période où l'enquête piétine jusqu'au tuyau essentiel donné par un indic' façon agent secret de la dernière chance...

Avec une mise en scène discrète, sans être académique, McCarthy laisse toute la place à ses acteurs investis, charismatiques, déterminés, voire même fascinants. Ces journalistes ne sont pas des stars, ni des héros en mal de reconnaissance ou de combats. Ils carburent à la recherche de vérités tout en respectant une éthique en or massif, tel un sacerdoce. Le réalisateur, parfois lui-même acteur, s'est sans doute inspiré de son rôle de journaliste dans la saison 5 de The Wire, questionnant les liens entre le 4e pouvoir, les politiciens et la police. Une plongée dans le monde du journalisme d'investigation quasi documentaire, tout en étant accessible à tous. 

Spotlight s'avère bien plus un thriller qu'une enquête documentaire. Les personnages jousque-boutistes sont servis par un scénario volontairement anti-spectaculaire, intelligent, posant de vraies questions de fond, dont la plume sait être sensible mais pas larmoyante malgré la gravité du sujet. L'enquête donne aussi la parole aux victimes, sans pathos ni voyeurisme. Il n'en oublie pas moins d'être réaliste, ne concédant aucune aseptisation des faits, évoqués sans jugement ni censure. Spotlight fait ainsi partie des rares films capables de parler de choses tragiques tout en divertissant. Il trouve la parfaite distance entre le film à suspens et le film-reportage, entre colère et amusement (car les journalistes peuvent aussi être drôles !), indignation et divertissement. Une véritable profession de foi à la presse écrite... de qualité.

En résumé : Un film intelligent, sans effusion, qui ne laisse pas de marbre et incite au respect de ceux qui se battent pour la vérité sans transiger. Nulle doute qu'il laissera indifférent l'Académie des Oscars.